"Madre Totém"
Lia Viridiana Domínguez
exposición de Somagrafía, Dibujo y Danza
Museo de la Isla de Cozumel (versión ingles hasta abajo)
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Lia Viridiana Domínguez
"Cuando termino y la gente se acerca veo que han sido tocados por la acción, por la música, los colores, algo llega a sus corazones, eso es lo que me importa, pues se consume mucho a través de pantallas, pero sigo creyendo en que ver una pintura es ver un brochazo, tonalidades, lo grande o pequeño del tamaño de una obra, a sentir la energía de las personas que hacen una danza, un performance, teatro, o música etcétera"
Lia Viridiana Domínguez
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Lia Viridiana Domínguez iniciando su arte acción
El Museo de la Isla de Cozumel ha sido el escenario de una excelente y singular experiencia artística con la exposición visual y performática "MADRE TOTEM", de la artista Lia Viridiana Domínguez. La muestra, que entrelaza la esencia de la maternidad y la creación a través de su innovadora técnica de las somagrafías , ha dejado una profunda huella en los asistentes.
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Lia Viridiana Domínguez y Sako
en el performance
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"MADRE TOTEM" es el resultado de 15 años de profunda investigación y quehacer artístico de Lia Viridiana Domínguez, quien describe la somagrafía como la íntima unión del "cuerpo y gráfica, danza y dibujo, movimiento y pintura". Este enfoque neoconceptual no solo se manifiesta en impactantes obras plásticas, sino que cobra vida en performances en vivo , donde el cuerpo de la artista se convierte en el pincel y el escenario en un lienzo dinámico.
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Las piezas centrales de la exposición son lienzos de gran formato, dominados por intensos tonos rojos y oscuros, que evocan poderosamente la energía de Eros, la fertilidad y la vida. Las texturas orgánicas y gestuales de estas obras reflejan la impronta del movimiento y la corporalidad de Domínguez. Figuras abstractas, que sugieren úteros y semillas en gestación, se convierten en un resonador visual de la maternidad y la génesis. Elementos como mazorcas de maíz y conchas marinas se integran a la obra, anclando el concepto en la naturaleza y sus ciclos vitales.
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La dimensión performática de "MADRE TOTEM" es el corazón de la exposición. Durante la inauguración, Lia Viridiana Domínguez se fundió con su creación, vistiendo prendas impregnadas de pigmento que la convertían en una extensión de sus lienzos. Su danza, sus movimientos y su interacción directa con las obras en el suelo transformaron el espacio en un ritual de creación viva.
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En este acto de profunda significación, Lia Viridiana Domínguez contó con el acompañamiento de Sako , quien compartió su perspectiva sobre la experiencia:
"Fue una experiencia muy emocionante", comentó Sako sobre la actuación. "Decidimos crear la obra en unos 15 minutos de actuación para que el público no se aburriera, pero el tiempo pasó volando. Los cuadros improvisados suelen hacerse sobre la marcha, sin ensayar, pero esta vez, incluso sin que yo bailara, los movimientos resonaban bien con la danza de Lia y creo que resultó una pieza interesante."
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Al ser consultado sobre los detalles técnicos de la actuación, Sako explicó: "La música de fondo, el vestuario y la composición de las imágenes de obra fueron ideas suyas. Yo sólo estaba allí como una ayudante de su actuación de su exposición, así que fui la primera en escuchar sus ideas y con mi estancia darles un poco de color a la acción". Con modestia, Sako añadió: "Pero su concepto es muy interesante, así que escuchen su explicación".
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La interacción con el público fue, para Sako, una de las mayores satisfacciones. "Recibimos reacciones más felices de lo que podíamos imaginar. Algunas personas se emocionaron hasta las lágrimas, ya que sus corazones latían directamente al nuestro. Nos hicieron muchas preguntas sobre nuestros temas y actividades, y seguimos hablando."
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Sobre su percepción profesional de Lia Viridiana Domínguez y "MADRE TOTEM", Sako expresó una profunda admiración: "Creo que es una artista con una práctica continua muy interesante. Hace muchas pinturas entrelazadas con danza en sus actuaciones artísticas rituales sobre el tema de la feminidad, pero sus obras aparentemente abstractas tienen en realidad un concepto sólido y puedes sentir la expansión del universo más allá de la pantalla". Y añadió una reflexión poética: "La vida es la capacidad de equilibrar y crear forma y conexión una vez más a partir del 'desorden'. Los cuadros que crean en sus performances nos recuerdan el origen de la vida".
Finalmente, Sako concluyó con una invitación que resume la esencia de la obra de Domínguez: "He visto su trabajo muchas veces en los últimos diez años y sus actuaciones siempre están impregnadas de una divinidad que te lleva a un viaje a las profundidades de tu mente, como si estuvieras meditando cada vez. ¡Disfrutemos todos de más viajes cósmicos interiores y sintamos la alegría de vivir a través del arte!"
video del Performance Madre Totem
(en Youtube)
Entrevista a Lia Viridiana Domínguez
-¿Cómo surgió la idea sobre este proyecto? ¿Por que te decidiste desarrollarlo? ¿Piensas continuarlo?
-La idea nació al estar dos años en crisis como madre de una adolescente sumado a una enfermedad, pensaba mucho en la idea de ser madre, como se romantiza y por todos los lugares que hay que transitar para criar a un ser humano cuando te sientes frágil, es un trabajo inmenso con todas las satisfacciones y las luchas que hay que pasar; por la inequidad en todos sentidos, del trabajo diario en casa, en la crianza, como mujer trabajadora, en la administración del dinero y en mi caso el tiempo para generar arte. Ser madre es un trabajo de 24/7.
Eso me hizo re pensar el papel de las mujeres nuevamente porque si estas soltera eres solo una persona, pero si tienes hijas/os eres responsable de mínimo otra persona, se suma según el número de hijas/os. Hay que pensar en lo que se hace, lo que se dice, como se dice, pero sobre todo con el ejemplo se educa, es pensar dos veces o tres o las necesarias los pasos andados y los que se darán. Es volver a vivir con cada hija/o el crecimiento.
Lo anterior lo uní a otra idea de las diosas o deidades que he estudiado, tengo fascinación por los arquetipos y los símbolos femeninos los cuales hablan de fertilidad, erotismo, maternidad, sabiduría, todos ellos asociados a la protección y generación de vida, el alimento, el vestido, la comodidad del hogar, la piedad, pero también la madre terrible, la que devora, la que consume, la controladora.
La idea de dar vida está unida a la creación, y la creación está unida al arte, así que aunque no se sea madre, se es creadora y las que son artistas dan vida a su arte.
Madre como arquetipo es la tierra, que se ara, que se siembra, que genera vida de muchas formas, que es cueva, rio, pantano, montaña, es la sustentadora.
-¿Puedes contarnos algo sobre lo más interesante que experimentaste durante el proceso del trabajo ? ¿alguna información que no hayas dado anteriormente públicamente; por ejemplo, anécdotas, desafíos, satisfacciones, situaciones extraordinarias por ser fuera de lo habitual. etc.?
-Lo más interesante para mi justo es el proceso de inicio y te diría sin fin, la obra comienza con una imagen, un sentir, una anécdota o una palabra que lo detona, como dije anteriormente una crisis ajena que me afectaba, la adolescencia junto con una enfermedad de mi hija en la que he sido cuidadora, proveedora, acompañante, en donde sientes que se te cae el mundo pero aun así lo soportas por un amor incondicional, no en un plan de victima sino como una crisis que justo va en dirección del crecimiento tanto de mi hija como el mío. Esa situación que preguntas tiene que ver con el proteger y al mismo tiempo con liberar para que pueda crecer, son límites muy frágiles entre educar y no controlar, confiar y empujar para que vuele y no sé estrelle o que se estrelle y aprenda, es un espacio interior de dudas existenciales: ¿Quién nace con manual? ¿Quién sabe ser un buen padre o madre? Al mismo tiempo ¿Quién sabe ser hija/o?
En términos artísticos para generar las piezas siempre pregunto por las características del lugar, la historia, sus costumbres culturales para hacer una pieza del espacio, que dialogue con el público y el lugar al mismo tiempo que me dé coordenadas de donde estoy, con que elementos me puedo alimentar y así no hacer un monologo si no que te diga que hubo antes y que hay ahora, quienes fueron sus dioses, o sus deidades pues ello resume una cosmogonía. Por ejemplo en Austria trabaje en la Galerie Nothburga, el cual es nombre es de una mujer que ayudo al pueblo al alimentarlo y cuidarlo, en donde se une a la leyenda los milagros. Fui a su lugar de culto y camine ese espacio.
Ahora me tocó Cozumel con Ixchel que es una de las diosas más completas que conozco, fertilidad, alimento, pesca, siembra, en fin una serie de atributos junto con sus fases lunares tal como las mujeres: niña, joven, madura y anciana que es hija, madre, abuela.
Sobre lo que no he dicho es la enfermedad de mi hija, con lo que el año pasado estuve en banca rota, trabaje de mesera y fracasé, vendí mezcal, teniendo dos carreras artes visuales y danza sin embargo no podía trabajar normalmente, ser cuidadora te quita tiempo y dinero así como merma fuerza, al mismo tiempo recibí premios, me ofrecieron lugares para exponer de gran talla, perdí un viaje a Turquía para un encuentro internacional por falta de fondos, y mantuve la producción de mis obras plásticas y escénicas, me aferre al arte, no desvinculo arte-vida, es parte de mi proceso, si tengo un problema lo sobrepienso y siento, investigo y analizo, le doy cuerpo en obras artísticas.
-¿Puede comentarnos sobre la experiencia que tuviste al interactuar con el público que asistió a la inauguración en el museo?
-Fue una experiencia que no sé cómo explicar, se mezcla emoción, concentración, expansión, yo creo que siento y leo a los espectadores por lo que está pasando por sus caras y cuerpos, ya con los años de experiencia he aprendido a decidir hacia donde llevare la propuesta en tiempo real, en el acto mismo de la propuesta, si bien tengo una ruta de acciones puedo alterarla según la circunstancia, según los leo. No es para complacer, a veces confronto, otras provoco, pero me gusta la comunicación no verbal con el público, aquella que se da en lo visual o en la escena. Hay actos que explican más que las palabras, por eso son lenguajes, nos facilitan la comunicación desde diferentes vías.
Cuando termino y la gente se acerca veo que han sido tocados por la acción, por la música, los colores, algo llega a sus corazones, eso es lo que me importa, pues se consume mucho a través de pantallas, pero sigo creyendo en que ver una pintura es ver un brochazo, tonalidades, lo grande o pequeño del tamaño de una obra, a sentir la energía de las personas que hacen una danza, un performance, teatro, o música etcétera, la experiencia viva es a lo que le apuesto. Esa interacción directa le habla a los sentidos, a la psique, de soma a soma, de cuerpo a cuerpo, no a su intelecto, eso viene después, cuando lo quieres explicar, cuando lo acomodas como vivencia.
- ¿Qué puedes decirnos sobre la participación que tuvo Sako en el arte acción y la museografía?
Sin Sako no pudo existir esta propuesta, primero porque fue el contacto para llegar al museo, después como museógrafa confío mucho en su trabajo, es muy limpio y preciso. Tenemos un dialogo que no nació hoy sino con los años, conoce parte de mi trabajo, y eso nos ayuda a comunicarnos. No es unilateral el trabajar con ella, pues propone una organización en el espacio y yo puedo proponer en el proceso de montaje pues también he hecho museografía y curaduría, no soy experta como Sako pero es un trabajo de composición en el espacio así que es creativo.
Por otro lado en la performance Sako y yo hemos estado en encuentros internacionales en España, en Segovia haciendo land art, y en Toledo en el Encuentro Nexo Art Network, haciendo performance así como dibujos, además en un Simposium de Eslovaquia, en donde participamos con pintura y performance, cada una como artista invitada. En esos procesos pasamos por Venecia e hicimos unos videos juntas que aún no salen a público. Toda esa historia marca nuestra amistad y trabajo.
Para esta inauguración en la performance le propuse una entrada muy discreta pues no la quería agobiar con el trabajo en el museo, pero Sako se arrojó a participar más mientras lo planeábamos, pienso que fue lo mejor pues ella es una artista que tiene mucho que decir, que accionar, después lo hablado se tejió en una serie de acciones sobre un dibujo premeditado de la experiencia de estar en Cozumel y el tema de Madre Tótem. Una de las premisas del performance es tener una ruta, el concepto claro y lo demás se crea en la acción misma, para este caso se necesitó confiar una en la otra y eso pasó, lo que has visto y trasmitido desde Art News Cozumel. Estoy muy satisfecha y feliz de lo que hicimos juntas.
-¿Puedes decirnos qué proyecto tienes más adelante?
-Tengo vario proyectos no terminados, o avanzados, con mi compañía de danza-teatro-visual Punt0cero compañía en una propuesta llamada “Cronos o el hechizo de Saturno”. También estoy participando en la realización de un documental con Roberto Sandoval. Mantengo comunicación siempre para llevar a cabo proyectos con Fernando Barredo en España, con Margarita Espada en Long Island, USA, estoy en espera de resultados de convocatorias. Tengo una exposición en puerta llamada “Entornos del yo y el afuera”, en Espacio Arteaccion en Ciudad de México.
-¿Algo más que quieras compartir para esta entrevista?
-Si, para esta exposición he dado ya por fin con un nombre a la actividad que realizo, al dibujo y danza, a la pintura y movimiento, lo llamo somagrafía, porque une el cuerpo y lo gráfico, creo que es importante darle nombre porque le da una consolidación a la propuesta, es una investigación de un quehacer ya de 15 años aproximadamente. Es la primera vez que uso en una exposición el nombre somagrafía.
También en el juego de la creación use la sombra sobre la pared, es un resultado que me gustó muchísimo, así que seguiré buscando sobre el dibujo y la sombra. La presencia y la ausencia.
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Público asistente
en la noche inaugural
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Espectacular figura
picto-energética
Somagrafía
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Somagrafías
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Obras visuales
expuestas en Madre Totém
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Zonas Geográficas
Intervenidas con figuras
arquetípicas
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Muy interesante obra
de serie de sombras
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Público motivado por la
presentación se acercaron
a las artistas para intercambiar
opiniones y felicitaciones.
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La fotografía del recuerdo
para la artista Soledad (izquierda).
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Un plus de registro fotográfico
para Lia y Sako
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Lia y obra maestra
de su autoria
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Sako y Lia
buscando mimesis
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En registro
fotográfico
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Los elementos utilizados
durante el arte acción
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Sako realizo buena sonoridad
con instrumento ancestral
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Le critiqué
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"Mother Totem"
Lia Viridiana Domínguez
Somagraphy, Drawing, and Dance Exhibition
Cozumel Island Museum
"When I finish and people approach, I see that they've been touched by the action, by the music, the colors; something touches their hearts. That's what matters to me, because so much is consumed through screens, but I still believe that seeing a painting is seeing a brushstroke, shades, the size or size of a work, feeling the energy of the people who create a dance, a performance, theater, or music, etc."
Lia Viridiana Domínguez.
The Cozumel Island Museum hosted an excellent and unique artistic experience with the visual and performance exhibition "MADRE TOTEM" by artist Lia Viridiana Domínguez. The exhibition, which interweaves the essence of motherhood and creation through her innovative somagraphy technique, left a profound impression on those present.
"MADRE TOTEM" is the result of 15 years of in-depth research and artistic endeavor by Lia Viridiana Domínguez, who describes somagraphy as the intimate union of "body and graphics, dance and drawing, movement and painting." This neoconceptual approach is not only manifested in striking visual works, but also comes to life in live performances, where the artist's body becomes the paintbrush and the stage becomes a dynamic canvas.
The exhibition's centerpieces are large-format canvases, dominated by intense red and dark tones, which powerfully evoke the energy of Eros, fertility, and life. The organic and gestural textures of these works reflect Domínguez's imprint of movement and corporeality. Abstract figures, suggesting wombs and gestating seeds, become a visual resonator of motherhood and genesis. Elements such as corn cobs and seashells are integrated into the work, anchoring the concept in nature and its life cycles.
The performative dimension of "MADRE TOTEM" is at the heart of the exhibition. During the opening, Lia Viridiana Domínguez fused with her creation, wearing garments impregnated with pigment that transformed her into an extension of her canvases. Her dance, her movements, and her direct interaction with the works on the floor transformed the space into a ritual of living creation.
In this deeply meaningful act, Lia Viridiana Domínguez was accompanied by Sako, who shared his perspective on the experience:
"It was a very exciting experience," Sako commented on the performance. "We decided to create the piece in about 15 minutes so the audience wouldn't get bored, but the time flew by. Improvised scenes are usually done on the fly, without rehearsal, but this time, even without me dancing, the movements resonated well with Lia's dance, and I think it turned out to be an interesting piece."
When asked about the technical details of the performance, Sako explained, "The background music, costumes, and composition of the visuals were all her ideas. I was only there as an assistant for her performance of her exhibition, so I was the first to hear her ideas and, by being there, I was able to add some color to the action." Modestly, Sako added, "But her concept is very interesting, so please listen to her explanation."
Interacting with the audience was, for Sako, one of the greatest satisfactions. "We received happier reactions than we could have imagined. Some people were moved to tears, as their hearts beat directly with ours. They asked us many questions about our topics and activities, and we continued talking."
Regarding her professional perception of Lia Viridiana Domínguez and "MOTHER TOTEM," Sako expressed deep admiration: "I think she's an artist with a very interesting ongoing practice. She creates many paintings intertwined with dance in her ritual performances on the theme of femininity, but her seemingly abstract works actually have a solid concept, and you can feel the expansion of the universe beyond the screen." She added a poetic reflection: "Life is the ability to balance and create form and connection once again from 'disorder.' The paintings they create in their performances remind us of the origin of life."
Finally, Sako concluded with an invitation that encapsulates the essence of Domínguez's work: "I have seen her work many times over the past ten years, and her performances are always imbued with a divinity that takes you on a journey into the depths of your mind, as if you were meditating each time. Let us all enjoy more inner cosmic journeys and feel the joy of living through art!"
Interview with Lia Viridiana Domínguez
-How did the idea for this project come about? Why did you decide to develop it? Do you plan to continue it?
-The idea was born after two years of crisis as the mother of a teenager, coupled with an illness. I thought a lot about the idea of being a mother, how it's romanticized, and all the struggles you have to go through to raise a human being when you feel fragile. It's an immense job with all the satisfactions and struggles you have to go through; from the inequity in every sense, from the daily work at home, in parenting, as a working woman, in managing money, and in my case, the time to create art. Being a mother is a 24/7 job.
That made me rethink the role of women again because if you're single, you're just one person, but if you have children, you're responsible for at least one other person, depending on the number of children. You have to think about what you do, what you say, how you say it, but above all, you educate by example. It's about thinking twice, three times, or as many times as necessary about the steps you've taken and those you'll take next. It's about reliving the growth of each daughter/son.
I linked this to another idea about the goddesses or deities I've studied. I'm fascinated by feminine archetypes and symbols that speak of fertility, eroticism, motherhood, wisdom—all of them associated with the protection and generation of life, food, clothing, the comfort of home, piety, but also the terrible mother, the one who devours, the one who consumes, the one who controls.
The idea of giving life is linked to creation, and creation is linked to art, so even if you're not a mother, you're a creator, and those who are artists give life to their art.
Mother as an archetype is the earth, which is plowed, which is sown, which generates life in many forms, which is a cave, a river, a swamp, a mountain, it is the sustainer.
Can you tell us something about the most interesting thing you experienced during the work process? Any information you haven't previously shared publicly; for example, anecdotes, challenges, satisfactions, extraordinary situations that were out of the ordinary, etc.?
What's most interesting to me is precisely the beginning, and I would say, the end. The work begins with an image, a feeling, an anecdote, or a word that triggers it. As I said before, a crisis that affected me, my adolescence, along with my daughter's illness, during which I was a caregiver, provider, and companion. You feel like your world is falling apart, but you endure it out of unconditional love, not as a victim, but as a crisis that directly affects both my daughter's growth and mine. The situation you're asking about has to do with protecting and, at the same time, freeing so that the child can grow. These are very fragile boundaries between nurturing and not controlling, trusting and pushing so that the child can fly and not crash, or so that the child can crash and learn. It's an inner space of existential doubts: Who is born with a manual? Who knows how to be a good father or mother? At the same time, who knows how to be a daughter or son?
In artistic terms, when creating pieces, I always ask about the characteristics of the place, its history, its cultural customs, to create a piece of space that dialogues with the audience and the place while giving me the coordinates of where I am, with what elements I can nourish myself with, and thus not perform a monologue, but rather tell you what was before and what is now, who were their gods, or their deities, because that summarizes a cosmogony. For example, in Austria, I worked at the Galerie Nothburga, which is named after a woman who helped the people by feeding and caring for them, where miracles are linked to legend. I went to her place of worship and walked through that space.
Now it's my turn to Cozumel with Ixchel, who is one of the most complete goddesses I know: fertility, food, fishing, planting, in short, a series of attributes along with her lunar phases, just like women: girl, young woman, mature woman, and old woman who is a daughter, mother, grandmother.
What I haven't mentioned is my daughter's illness, which left me bankrupt last year. I worked as a waitress and failed. I sold mezcal. I had two majors in visual arts and dance, but I couldn't work normally. Being a caregiver takes time and money and saps strength. At the same time, I received awards, was offered important exhibition venues, missed a trip to Turkey for an international conference due to lack of funds, and continued producing my visual and performing works. I clung to art. I don't separate art from life. It's part of my process. If I have a problem, I think about it and feel it, I research and analyze it, and I embody it in artistic works.
-Can you tell us about your experience interacting with the public who attended the opening at the museum?
"It was an experience I can't explain. It's a mixture of emotion, concentration, and expansion. I believe I feel and read the audience through what's happening on their faces and bodies. Over the years, I've learned to decide where to take the proposal in real time, in the very act of the proposal. While I have a course of action, I can alter it according to the circumstances, according to how I read them. It's not to please; sometimes I confront, other times I provoke, but I like nonverbal communication with the audience, that which occurs visually or on stage. There are acts that explain more than words; that's why they are languages; they facilitate communication in different ways."
When I finish and people approach, I see that they've been touched by the action, by the music, the colors; something touches their hearts. That's what matters to me, because so much is consumed through screens. But I still believe that seeing a painting is seeing a brushstroke, hues, the size or smallness of a work, feeling the energy of the people who create a dance, a performance, theater, or music, etc. The living experience is what I'm committed to. That direct interaction speaks to the senses, to the psyche, from soul to soul, from body to body, not to their intellect. That comes later, when you want to explain it, when you accommodate it as an experience.
- What can you tell us about Sako's involvement in action art and museography?
Without Sako, this proposal couldn't exist. First, because she was the contact that led me to the museum. Then, as a museographer, I have great confidence in her work; it's very clean and precise. We have a dialogue that wasn't born today but over the years. She knows part of my work, and that helps us communicate. Working with her isn't unilateral, as she proposes an organization in the space, and I can contribute to the assembly process since I've also done museography and curating. I'm not an expert like Sako, but it's a work of composition in space, so it's creative.
On the other hand, in performance, Sako and I have participated in international meetings in Spain, in Segovia doing land art, and in Toledo at the Nexo Art Network Meeting, doing performances as well as drawings. Also at a Symposium in Slovakia, where we participated with painting and performance, each as a guest artist. During those processes, we went to Venice and made some videos together that have not yet been released. All that history marks our friendship and work.
For this performance opening, I suggested a very discreet entry because I didn't want to overwhelm her with work at the museum, but Sako jumped at the chance to participate more while we were planning it. I think it was the best option, as she's an artist with a lot to say and to take action. Then, what was discussed was woven into a series of actions based on a premeditated drawing of the experience of being in Cozumel and the theme of Mother Totem. One of the premises of the performance is to have a path, a clear concept, and the rest is created in the action itself. In this case, we needed to trust each other, and that's what happened, as you've seen and conveyed from Art News Cozumel. I'm very satisfied and happy with what we did together.
-Can you tell us what project you have next?
-I have several unfinished or advanced projects with my dance-theater-visual company, Punt0cero, in a project called "Cronos or the Spell of Saturn." I'm also involved in the production of a documentary with Roberto Sandoval. I'm always in touch to carry out projects with Fernando Barredo in Spain and Margarita Espada in Long Island, USA. I'm awaiting the results of calls for proposals. I have an upcoming exhibition called "Entornos del yo y el afuera" (Environments of the Self and the Outside) at Espacio Arteaccion in Mexico City.
- Anything else you'd like to share for this interview?
- Yes, for this exhibition I've finally come up with a name for the work I do, drawing and dance, painting and movement. I call it somagraphy because it unites the body and the graphic. I think it's important to give it a name because it consolidates the proposal. It's an investigation into something I've been doing for approximately 15 years. Absolutely. This is the first time I've used the name somagraphy in an exhibition.
Also in the creative game, I used the shadow on the wall. It's a result I really liked, so I'll continue exploring drawing and shadow. Presence and absence.
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