"Ejercicio de desaprender, de dejar atrás lo que ya no nos ayuda a crecer. Es un regreso simbólico a la infancia, tender un puente hacia ese niño que no me atreví a ser"
Luis Rodrigo Medina
Luis Rodrigo Medina
La reciente exposición "S • LT a" de Luis Rodrigo Medina, presentación en el Museo de la Isla tras una residencia artística en Cozumel, se consolida como un proyecto audaz y revelador que desafiaba la concepción tradicional de la obra de arte terminada. Más que una muestra, es un manifiesto de desaprendizaje, un "regreso simbólico a la infancia" que invita al público a la creación lúdica.
La génesis de "S • LT a" es una "conjunción afortunada" entre BenAmil, Amalgama Proyecta y el Museo de la Isla. La invitación caribeña transformó el ritmo de la práctica de Medina, impulsando un proceso "libre y orgánico, donde el juego y el gesto fueron las guías". El título mismo, "S • LT a" (Soltar, Saltar, Jugar), articula el espíritu de la exhibición: "un ejercicio de desaprender, de dejar atrás lo que ya no nos ayuda a crecer".
En la noche inaugural
El corazón monumental de la muestra es una instalación compuesta por cerca de 300 dibujos en papel tamaño carta, colgados de pared a pared. Estos, realizados "en tránsito" y creados específicamente para la exposición, constituyen el "Muro de Dibujos", que Medina concibe como un "flujo continuo de dibujos que se desarrollan en movimiento, memoria y exploración". Al romper deliberadamente la jerarquía entre bocetos y obra final, el artista nos comparte sin filtros "obras que podrían ser bocetos, respiraciones, puertas desconocidas". El muro se convierte en el "andamiaje de la creación" donde el "gesto todavía está vivo", dejando ver inscripciones crudas como "EL JUEGO ES NUESTRO", "EMPTY EMPIRE" y "THE CHAT FUCK YOU".
Extraordinario mural
La técnica empleada es un testimonio de la búsqueda de espontaneidad. Medina explora lo lúdico utilizando lápices de colores encontrados en la isla, dibujando "sin mirar cuál tomaba", e incluso "a oscuras con ojos cerrados". Este método radical buscaba eludir la "duda" y la "autocensura", encontrando nuevas composiciones "de manera directa".
Estilo clàsico de Luis Rodrigo Medina
"S • LT a" marca, además, un cambio decisivo: un "encuentro con el color, una aproximación nueva". Tras más de veinte años trabajando "casi exclusivamente con blanco, rojo o negro", el artista se entrega a una paleta más rica, un "experimento [que] marcará el rumbo de lo que viene", con muchos de estos dibujos destinados a ser trasladados "a gran formato, llevados a la tela y traducirlos a un nuevo lenguaje pictórico".
Panorámica hermosa del trabajo de Medina
Asistentes apreciando la obra
en la noche inaugural
La muestra se enriquece con una museografía "elegante y directa", fruto de la colaboración curatorial de Sako, quien aportó "nuevas lecturas". Esta disposición logra que el espacio expositivo sea parte de la obra. Frente al Muro de Dibujos, se suspende un gran lienzo sin bastidor, funcionando como biombo, que ofrece una síntesis abstracta y monumental de la energía acumulada, contrapuesta a la intimidad del archivo. El diálogo espacial se completa con intervenciones directas sobre la pared —formas abstractas como una "ola" negra o un óvalo amarillo— que "flotan" en el blanco de la sala, rompiendo la bidimensionalidad y expandiendo el gesto más allá del soporte. La exposición integra también la serie con cinta adhesiva de hace 16 años y la colección Mundos Imaginarios .
La respuesta del público a esta propuesta ha sido variada, a abarcar desde la indiferencia hasta la conmoción, con el artista citando a un visitante que se fue "con el alma llena". Para Medina, exponer en un lugar nuevo es un "llamado a releerse y reescribirse", una oportunidad "para mirarse reflejado en espejos distintos, inusitados".
Excelentes espacios de obra
"S • LT a" es un proyecto de enorme vitalidad que subraya la importancia del proceso creativo. La energía de la exposición—esa energía lúdica y fresca—no solo representa la liberación del artista, sino que funciona como una "invitación al público: a tomar un papel, rayar, jugar o cualquier otra forma de creación".
Agradable comentarios a la producción de Rodrigo
Con la vista puesta en futuras exposiciones en París y Madrid, y una colaboración en la retrospectiva de su padre, Rutilio Medina, en Guadalajara, Luis Rodrigo Medina se posiciona en un panorama artístico mexicano que él mismo describe como un momento "muy importante de crecimiento cultural y artístico", lleno de "vitalidad" y "posibilidades".
El autor registrando su obra
Entrevista a Luis Rodrigo Medina que concedió en exclusiva para Art News Cozumel
- ¿Cómo surgió la idea sobre está exhibición?
-Solta nació de la conjunción afortunada entre BenAmil en el Caribe, Amalgama Proyecta y el Museo de la Isla. La invitación a realizar una residencia en Cozumel llegó de forma inesperada y transformó el ritmo de mi práctica. Fue una experiencia de apertura y ligereza que marcó el inicio de un proceso libre y orgánico, donde el juego y el gesto fueron las guías.
El proyecto se desarrolló a partir de un ejercicio simple: soltar la mano sobre hojas de papel tamaño carta. Ese impulso inicial se convirtió en un hilo que acompañó los siguientes tres meses de trabajo, entre el estudio y el viaje. De ahí surgió el cuerpo principal de la exposición: 300 dibujos realizados en tránsito, piezas creadas específicamente para esta muestra, concebida como un viaje dentro del viaje, una experiencia de creación continua y viva.
El título Solta alude a la acción de soltar, de saltar y de jugar. En esencia, la exposición es un ejercicio de desaprender, de dejar atrás lo que ya no nos ayuda a crecer. Es un regreso simbólico a la infancia, tender un puente hacia ese niño que no me atreví a ser, visto ahora desde el adulto que puede jugar a reunir todas las edades en un mismo instante.
La muestra surge desde esa energía lúdica y fresca que en su momento me faltó, y que hoy se convierte en una oportunidad de vivirla y compartirla. Es también una invitación al público: a tomar un papel, rayar, jugar o cualquier otra forma de creación.
La serie de dibujos tamaño carta fue realizada bajo ese espíritu de apertura, sin filtros ni selección. Es la primera exposición en la que muestro obras que podrían ser bocetos, respiraciones, puertas desconocidas . Me interesa compartir ese andamiaje de la creación: el momento exacto en el que la forma todavía está naciendo, cuando el gesto todavía está vivo
Obra maestra donde Rodrigo Medina
sintetiza su fructífera experiencia creativa
Periodista tomando nota del mural
-¿Puedes contarnos algo sobre lo más interesante que experimentaste durante el proceso del trabajo?
-Este proyecto me abrió a nuevos caminos. Haber dado carta blanca al dibujo y a la pintura, permitirles moverse con libertad —como en un viaje—, en un formato pequeño, portátil y fácil de realizar, abrió muchas puertas. Es, de alguna forma, el embrión de varias exposiciones y series por venir.
Fue también un encuentro con el color, una aproximación nueva para mí. Durante más de veinte años trabajé casi exclusivamente con blanco, rojo o negro. Encontré aquí en la isla unos lápices de colores que no conocía, y empecé a usarlos de un modo muy libre: alternando izquierda y derecha me colocaba todos los colores en una mano, bajo la mesa, la otra mano dibujaba sin mirar cuál tomaba.
Dibujar a oscuras o a ojos cerrados, ayudo a encontrar "frases", composiciones y nuevas formas de manera directa y con poca participación de la duda, de la autocensura.
Siento que este experimento marcará el rumbo de lo que viene. Muchos de estos dibujos serán bocetos para seguir trabajando, mientras que otros ya están listos para ser trasladarlos a gran formato, llevarlos a la tela y traducirlos a un nuevo lenguaje pictórico.
Con esta muestra también retomé una serie de hace 16 años hecha con cinta adhesiva y se concretó Mundos Imaginarios, una colección que nació durante una residencia artística en Oslo. En ella conviven lo sólido y definido con lo etéreo y distante, mundos que se entrelazan sobre el lino crudo como si el aire y la materia encontraran un punto común.
Imaginar es ya una realidad.
Brillante armonía de colores
-¿Puedes comentarnos sobre la experiencia que tuviste al interactuar con el público que asistió a la inauguración en el museo?
-La interacción con los asistentes a la muestra ha sido cálida e inspiradora.
Me gusta mucho exhibir en lugares donde no se me conoce personalmente ni se ha visto el trabajo, es una oportunidad para mirarse reflejado en espejos distintos, inusitados.
Un llamado a releerse y reescribirse.
Me ha tocado presenciar una amplia gama de reacciones, desde gente que sale casi antes de entrar a la sala, como si fuera un espacio vacío; hasta un visitante conmovido al borde de la lágrima.
Un comentario que me tocó profundamente fue alguien que dijo: "Me voy con el alma llena".
Bella composición
-¿Qué puedes decirnos sobre la participación que tuvo la museografía Sako en la museografía de tu obra?
-La participación curatorial y museográfica de Sako fue esencial y muy afortunada para la muestra.
Yo contaba con el plano del montaje y ella, con una gran paciencia y sensibilidad, supo acompañar el proceso y proponer cambios que aportaron nuevas lecturas y generaron atmósferas distintas con una gran economía de elementos.
Además, con su mirada práctica y resolutiva logró una museografía elegante y directa.
-¿Que hay en tu siguiente proyecto a desarrollar?
-Actualmente me encuentro preparando un par de proyectos de publicación, uno que reunirá una selección de dibujos y otro al que se me invitó a ilustrar poesía.
Al mismo tiempo, estoy trabajando en dos nuevos proyectos expositivos: uno en París y otro en Madrid. El próximo año colaboraré también con Rutilio Medina, mi padre, en una exposición retrospectiva con motivo de su 80 aniversario, que tendrá lugar en un museo de la ciudad de Guadalajara.
Tonalidades que el autor
a utilizado por años
-¿Cuál es tu opinión sobre la vida del arte y la cultura actualmente en el área donde vives actualmente y el resto del país?
-Actualmente siento que Guadalajara atraviesa un momento muy importante de crecimiento cultural y artístico. Hay una energía potente: la creación de nuevos espacios expositivos, de museos que surgen y se consolidan, así como la aparición de foros impulsados por artistas jóvenes que están abriendo camino con gran fuerza. En un panorama más amplio, también percibo que México vive un momento decisivo, posicionándose entre los principales centros de creación artística, tanto por la vitalidad de sus artistas nacionales como por el creciente interés de creadores extranjeros que eligen establecer sus estudios en el país. Se está gestando un crisol muy interesante, lleno de posibilidades.
Le Critiqué
S o L t a
Drawing and painting exhibition.
Luis Rodrigo Medina
Cozumel Island Museum
Luis Rodrigo Medina's recent exhibition "S • LT a," presented at the Museo de la Isla following an artist residency in Cozumel, established itself as a bold and revealing project that challenged the traditional conception of the finished work of art. More than an exhibition, it is a manifesto of unlearning, a "symbolic return to childhood" that invites the public to playful creation.
The genesis of "S • LT a" is a "fortunate conjunction" between BenAmil, Amalgama Proyecta, and the Museo de la Isla. The Caribbean invitation transformed the rhythm of Medina's practice, promoting a "free and organic process, where play and gesture were the guides." The title itself, "S • LT a" (Let Go, Jump, Play), articulates the spirit of the exhibition: "an exercise in unlearning, in leaving behind what no longer helps us grow."
The monumental heart of the exhibition is an installation composed of nearly 300 drawings on letter-sized paper, hung from wall to wall. These, executed "in transit" and created specifically for the exhibition, constitute the "Wall of Drawings," which Medina conceives as a "continuous flow of drawings that develop in movement, memory, and exploration." By deliberately breaking the hierarchy between sketches and the final work, the artist shares with us without filters "works that could be sketches, breaths, unknown doors." The wall becomes the "scaffolding of creation" where the "gesture is still alive," revealing raw inscriptions such as "THE GAME IS OURS," "EMPTY EMPIRE," and "THE CHAT FUCK YOU."
The technique employed is a testament to the pursuit of spontaneity. Medina explores playfulness using colored pencils found on the island, drawing "without looking at which one he was drawing," and even "in the dark or with his eyes closed." This radical method sought to avoid "doubt" and "self-censorship," finding new compositions "directly."
"S • LT a" also marks a decisive shift: an "encounter with color, a new approach." After more than twenty years working "almost exclusively in white, red, or black," the artist embraces a richer palette, an "experiment [that] will set the course for what is to come," with many of these drawings destined to be transferred "to large format, brought to canvas, and translated into a new pictorial language."
The exhibition is enriched by an "elegant and direct" museography, the result of Sako's curatorial collaboration, which contributed "new interpretations." This arrangement makes the exhibition space part of the work. Facing the Wall of Drawings, a large, frameless canvas is suspended, functioning as a screen, offering an abstract and monumental synthesis of accumulated energy, contrasting with the intimacy of the archive. The spatial dialogue is completed with direct interventions on the wall—abstract forms such as a black "wave" or a yellow oval—that "float" in the white of the room, breaking the two-dimensionality and expanding the gesture beyond the support. The exhibition also integrates the 16-year-old adhesive tape series and the Imaginary Worlds collection.
The public's response to this proposal has been varied, ranging from indifference to shock, with the artist quoting one visitor who left "with a full soul." For Medina, exhibiting in a new place is a "call to reread and rewrite oneself," an opportunity "to see oneself reflected in different, unusual mirrors."
"S • LT a" is a project of enormous vitality that underscores the importance of the creative process. The energy of the exhibition—that playful, fresh energy—not only represents the artist's liberation, but also functions as an "invitation to the public: to take up paper, scratch, play, or any other form of creation."
With his sights set on future exhibitions in Paris and Madrid, and a collaboration on his father Rutilio Medina's retrospective in Guadalajara, Luis Rodrigo Medina is positioning himself in a Mexican art scene that he himself describes as a "very important moment of cultural and artistic growth," full of "vitality" and
"possibilities."
Interview with Luis Rodrigo Medina, granted exclusively to Art News Cozumel
- How did the idea for this exhibition come about?
- Solta was born from the fortunate conjunction of BenAmil in the Caribbean, Amalgama Proyecta, and the Museo de la Isla. The invitation to participate in a residency in Cozumel came unexpectedly and transformed the rhythm of my practice. It was an experience of openness and lightness that marked the beginning of a free and organic process, where play and gesture were the guides.
The project developed from a simple exercise: letting go of one's hand on letter-sized sheets of paper. That initial impulse became a thread that accompanied the following three months of work, between the studio and the trip. From this emerged the main body of the exhibition: 300 drawings made in transit, pieces created specifically for this show, conceived as a journey within a journey, an experience of continuous and living creation.
The title Solta alludes to the action of letting go, jumping, and playing. In essence, the exhibition is an exercise in unlearning, in leaving behind what no longer helps us grow. It's a symbolic return to childhood, building a bridge to that child I didn't dare to be, now seen from the perspective of an adult who can playfully bring together all ages in a single instant.
The exhibition emerges from that playful, fresh energy that I once lacked, and which today becomes an opportunity to experience and share. It's also an invitation to the public: to pick up a piece of paper, scratch, play, or engage in any other form of creation.
The series of letter-sized drawings was created in that spirit of openness, without filters or selection. It's the first exhibition in which I show works that could be sketches, breaths, unknown doors. I'm interested in sharing that scaffolding of creation: the exact moment when the form is still being born, when the gesture is still alive.
-Can you tell us something about the most interesting thing you experienced during the work process?
-This project opened me up to new paths. Giving drawing and painting carte blanche, allowing them to move freely—as if on a journey—in a small, portable, and easy-to-execute format, opened many doors. It is, in a way, the embryo of several exhibitions and series to come.
It was also an encounter with color, a new approach for me. For more than twenty years, I worked almost exclusively with white, red, or black. Here on the island, I found some colored pencils I wasn't familiar with, and I began to use them very freely: alternating between left and right, I would place all the colors in one hand under the table, and with the other hand I would draw without looking at which one I was holding.
Drawing in the dark or with my eyes closed helps me find "phrases," compositions, and new forms directly and with little involvement of doubt or self-censorship.
I feel this experiment will set the course for what is to come. Many of these drawings will be sketches for further work, while others are ready to be transferred to a large format, transferred to canvas, and translated into a new pictorial language.
With this exhibition, I also revived a series from 16 years ago made with adhesive tape, and Imaginary Worlds came to fruition, a collection born during an artist residency in Oslo. In it, the solid and defined coexist with the ethereal and distant, worlds that intertwine on raw linen as if air and matter had found a common ground.
Imagining is now a reality.
-Can you tell us about the experience you had interacting with the public who attended the opening at the museum?
-The interaction with those attending the exhibition has been warm and inspiring.
I really enjoy exhibiting in places where I am not personally known or where the work has not been seen; it is an opportunity to see oneself reflected in different, unusual mirrors.
A call to reread and rewrite oneself.
I've witnessed a wide range of reactions, from people leaving almost before entering the gallery, as if it were an empty space; to a visitor moved to the brink of tears.
One comment that touched me deeply was someone who said, "I'm leaving with a full soul."
-What can you tell us about the involvement of Sako's museography in the museography of your work?
-Sako's curatorial and museographic involvement was essential and very fortunate for the exhibition.
I had the installation plan, and she, with great patience and sensitivity, was able to accompany the process and propose changes that provided new interpretations and generated different atmospheres with a great economy of elements.
Furthermore, with her practical and decisive approach, she achieved an elegant and direct museography.
-What's next for your project?
-I'm currently preparing two publication projects, one that will bring together a selection of drawings and another for which I was invited to illustrate poetry.
At the same time, I'm working on two new exhibition projects: one in Paris and another in Madrid. Next year, I'll also be collaborating with Rutilio Medina, my father, on a retrospective exhibition to commemorate his 80th birthday, which will take place at a museum in Guadalajara.
What is your opinion of the current state of art and culture in the area where you currently live and the rest of the country?
I currently feel that Guadalajara is experiencing a very important moment of cultural and artistic growth. There's a powerful energy: the creation of new exhibition spaces, museums that are emerging and consolidating, as well as the emergence of forums driven by young artists who are forging a strong path. On a broader level, I also perceive that Mexico is experiencing a decisive moment, positioning itself among the main centers of artistic creation, both due to the vitality of its national artists and the growing interest of foreign creators who choose to establish their studios in the country. A very interesting melting pot is brewing, full of possibilities.
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